Nacido a principios del 2010, Miradas Cómplices es una bitácora de notas, relatos de viaje, reflexiones y fotografías que,quizás, encuentren vuestra complicidad.

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miércoles, 16 de abril de 2014

Transformar las cosas corrientes en extraordinarias: Marcel Giró

Mientras en los ’50 del siglo pasado, en España destacaba el grupo Afal en medio de un desierto como era la fotografía durante la dictadura de Franco; en Brasil, lo hacía la Escuela Paulista a través de Foto Cine Clube Bandeirante.
Esta escuela sentó las bases de la modernidad de la fotografía brasilera y nació como una crítica al pictorialismo (reproducción de modelos de pintura clásica) con un gusto por la abstracción y la experimentación.


1967 © Marcelo Giró

En ese contexto, destacó un fotógrafo catalán, Marcelo Giró (1913 – 2011) que había decidido exiliarse a Brasil en 1937 cansado de los enfrentamientos entre las distintas facciones del ejército republicano durante la guerra civil.

1950 © Marcelo Giró

En Brasil se convirtió en uno de los más grandes fotógrafos. Y hasta tal punto, que el año pasado le realizaron una gran exposición retrospectiva en Sao Paulo.

1950 © Marcelo Giró

Y este año, desde el 10 de abril hasta el 18 de mayo, su ciudad natal, Badalona le hace un homenaje a su obra titulada: Marcelo Miró, fotógrafo. Transformar las cosas corrientes en extraordinarias.

Para ello, los dejo con un video donde podrán observar el día que se inauguró la expo en esta ciudad catalana.




Hasta el viernes!


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lunes, 14 de abril de 2014

El tiempo de las ciudades

NY 2011© Matthew Pillsbury

Durante los últimos años, el fotógrafo Matthew Pillsbury  comenzó a interesarse en como pasa el tiempo en las urbes contemporáneas.


NY 2011 © Matthew Pillsbury


Parte de ese extenso trabajo se pudo ver hasta hace un mes en una gran expo que montó Aperture en Nueva York. 





Y en sintonía con ello, la prestigiosa editorial neoyorquina publicó City Stages, un libro de grandes dimensiones que busca redimensionar como es debido las fotografías de Pillsbury en las 128 páginas del libro.


París 2008 © Matthew Pillsbury


Pillsburg trabajó principalmente en Nueva York con incursiones en París, Londres, Venecia y otros lugares con películas en blanco y negro, de medio formato y en muchos casos, utilizaba exposiciones largas para recrear el movimiento y el paso del tiempo en los espacios públicos.
También trabajó en espacios interiores.






“Para Pillsbury, el acto de ver parece funcionar como una actuación más allá de la vida que emerge en diversos espacios y tiempos” señala el escritor Karl Johnson.

Los dejo con un video donde el propio fotógrafo explica la génesis de su trabajo.




Hasta el miércoles!


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viernes, 11 de abril de 2014

México en la retina de dos grandes fotógrafos


La historia cuenta que dos grandes fotógrafos documentales coincidieron en un lugar y durante los mismos años. Uno,  estaba fascinado por la cultura y el otro experimentó amor a primera vista. Me estoy refiriendo a Paul Strand y Henri Cartier Bresson que coincidieron en México a principios de los años ’30 del siglo pasado.




Justamente ayer tuve en mis manos  el libro - catálogo que publicó Steidl que coincidió con la expo de hace dos años en  París. Me refiero a México 1932 – 1934.



El libro no tiene desperdicios. Sus 172 páginas recorren a través de ensayos y fotografías el itinerario que cada uno de los fotógrafos llevó por aquel país.

Paul Strand fue a México invitado por el gobierno y Cartier Bresson llegó con un equipo etnográfico de trabajo. 











Ahora los dejo con un video donde podrán apreciar parte de esa antológica exposición en las salas de la Fundación Henri Cartier Bresson en el 2012.





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miércoles, 9 de abril de 2014

Primera guerra mundial en 3D


El pasado fin de semana estuve en Logroño y fue muy productivo por varios motivos.
En primer lugar, impartí un taller de fotografía en las cómodas instalaciones de RiojaFoto. Y por otro lado,  tuve la suerte de conocer La Casa de la Imagen de la ciudad de la mano de Carlos Traspaderne, el responsable del archivo histórico del CDI.
Debo decirles que el paseo por sus instalaciones (estuve dos horas por lo menos) no tuvo desperdicios. 

La biblioteca y sala de lectura

Un privilegio recorrerlo ya que es uno de los centros fotográficos más completos y prestigiosos dentro de España que cuenta con una coqueta galería de exposiciones, un importante fondo de fotografía histórica y contemporánea, salas de reunión, plató , laboratorio, estudio de grabación de última generación y una amplia biblioteca.

Sala de producción digital del CDI

Y entre fotografías, cámaras de placas y libros, Traspaderne me contó una historia que resumiré en estas líneas.
Resulta que en el 2003, el fotoperiodista Pablo San Juan halló en un mercado de Tánger unas cajitas de 15 x 20 cm., unas 50 placas de vidrio con imágenes que mostraban antiguas escenas bélicas. Según pudo comprobar por lo que decía en las cajas, esos negativos fueron obtenidos con una cámara estereoscópica Verascope con la cual se obtienen imágenes en tres dimensiones ya que intentan imitar la visión binocular humana, mediante la utilización de dos objetivos que captan la fotografía en el mismo instante y luego con un aparato especial se pueden mirar las fotografías  como si estuvieran en 3D.




 San Juan vislumbró un tesoro allí, lo compró y se lo llevó a la gente del CDI para que investigaran.
Y efectivamente era un tesoro:  500 fotografías realizadas en la Primera Guerra Mundial. Sin embargo el autor era desconocido, aunque posiblemente sea un militar según las pesquisas realizadas por Traspaderne. “Este archivo es único porque da una visión completa de la guerra, desde todas las perspectivas, como nadie la dio. De aquella contienda tenemos una visión hecha con fotos sueltas, pero no la visión de alguien metido en esa historia como ocurrió con Capa en la segunda guerra. Este archivo es el único de la contienda del 14 que podríamos considerar de autor” señaló Traspaderne.
La CDI está actualmente elaborando un libro y efectuará exposiciones en Francia, Italia, EEUU, Australia y Nueva Zelanda con todo este material. Por lo pronto, los dejo con un video donde podrán observar parte del material y que, por medios digitales, simula el efecto 3D de las antiguas cámaras.




Hasta el viernes!




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lunes, 7 de abril de 2014

La vida convertida en un eterno viaje

Un libro, como un viaje, se empieza con inquietud y se termina con melancolía”

José Vasconcellos

Pasar gran parte de tu vida viajando hoy en día parece, desde mi humilde opinión, una excentricidad  y que pertenece, en mi imaginario,  al reino de las leyendas y mitos actuales. La idea del eterno viajero fue inventada en el Renacimiento y estaba asociada al comercio como bien se expresan las aventuras renacentistas de Marco Polo y los comerciantes de la antigua ruta de la seda. 
En estos tiempos,  la idea del "eterno nómade" está relacionada más con el turismo que con la idea del comercio de la antiguedad. Hoy en día, el viajero moderno se mueve entre libros, conferencias, esponsorizaciones y demás para transmitir a gente deseosa, la encantadora idea del eterno viaje, concepto que siempre ha maravillado y, debo reconocer que a mi también.

La idea eterna del viaje posiblemente sea una utopía. Pero verosímil desde algunos aspectos como verán en los siguientes ejemplos.

En enero publiqué una nota que hablaba sobre la familia Zapp que hace 11 años viajan por el mundo con sus hijos a cuestas. Viven de la sponsorización, publicación de libros, eventos y "pequeñas ayuditas de los amigos". 





Ahora me encuentro con Pablo Rey y Anna Callau que hace 14 años que viajan y han editado, en el camino, 3 libros de historias y aventuras.





Durante estos días, estarán ofreciendo charlas en Madrid, Barcelona y también en Girona (10 de abril en librería Ulyssus).  





Hasta el miércoles!



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viernes, 4 de abril de 2014

El arte de lo real y también de la meditación

A principios de los ’90 del siglo pasado,  Joel Meyerowitz y otros fotógrafos americanos, fervientes admiradores de la obra  de Edward Hopper,  se reunieron en Essen, Alemania para realizar una exposición colectiva en honor al gran pintor realista titulada: El arte de lo real. Y de paso debatir  y cotejar sus fotografías con los cuadros del artista con el objetivo de buscar diferencias y analogías de temas, composición y estética.


New York 1981 © Joel Meyerowitz

De esa manera, Meyerowitz, por ejemplo,  comparó  una fotografía suya con Once de la mañana (1941) de Hopper y llegó a la conclusión que ambos motivos visuales eran parecidos pero el tema era diferente. En su fotografía habían desaparecido las complicadas implicaciones que Hopper había añadido a su cuadro.

Once de la mañana. 1941 Edward Hopper


Sin embargo, “en esos momentos de calma – señala Meyerowitz – con el que la fotografía llena el tiempo cotidiano, se encuentra la coincidencia con Hopper”.
Todos los fotógrafos reunidos allí,  en el Museo Folkwang de Essen, coincidieron en afirmar que la gran diferencia era el carácter de la fotografía como hecho momentáneo y el de la pintura como un proceso. Así,  de esa manera, el ojo de Hopper se convierte en su visión interna, en la esencia de las fotografías.


© Richard Tuschman

Algo de todo lo que se habló aquella vez en Essen, llegó a los oídos del fotógrafo Richard Tuschman quien,  varios años después,  realizó un especial trabajo fotográfico titulado justamente: Hopper Meditaciones.

© Richard Tuschman

“ Mis fotos divergen de la pintura de Hopper – señala Tuschman- .  El estado de ánimo general en mi trabajo es más sombrío, y la iluminación es menos dura que en sus pinturas. Estoy tratando de conseguir un efecto tal vez más cerca de los claroscuros de Rembrandt, otro pintor que admiro mucho.

© Richard Tuschman






Este trabajo de Tuschman logró el tercer premio del prestigioso Lens Culture Exposure Awards 2013, elegidoentre más de 10.000 fotografías enviadas por fotógrafos de 62 países.











© Richard Tuschman
"Me gusta pensar  que la iluminación es otro personaje que no sólo ilumina la forma de las figuras, sino también hace eco y evoca su vida interior. Me gusta pensar en mis imágenes como dramas para un pequeño escenario".

© Richard Tuschman

 “Siempre me ha gustado la forma como pintaba Hopper  con una gran economía de medios - confiesa Tuschman-  pero que era capaz de hacer frente a cualquier misterio psicológico y las complejidades de la condición humana”.

Buen fin de semana!


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miércoles, 2 de abril de 2014

No todo fue color para Ernst Haas

Siempre he pensado que es más dificil hacer abstracción con el color en una fotografía. Muchas veces ocurre que un mal uso de los colores en una composición pueden hacer perder la esencia de la imagen, la edulcora. Por eso, es tan dificil hacer buenos trabajos a color en la fotografía documental.  
Así lo entendió el primer fotógrafo colorista de Magnum, Ernst Haas, muchas veces olvidado y criticado por,  supuestamente,  banalizar la fotografía documental con el cromatismo.
Por suerte, el tiempo pone cada cosa en su lugar y hoy en día, Haas es considerado uno de los grandes de la fotografía.  Prueba de ello es la reciente publicación de Color Correction por Steidl.





Sin embargo, si ustedes creían que Haas podía perder parte de su esencia al realizar fotografías en blanco y negro, se equivocan. Las composiciones del fotógrafo austríaco se sustentan perfectamente en blanco y negro y no pierden ni un ápice de su vitalidad. 
Parte de esos magníficos trabajos se pueden ver en Ernst Haas in Black and White publicado hace más de 20 años por Bullfinch Press.


Nueva México 1952 © Ernst Haas

Saigón 1954 © Ernst Haas

En ese libro desfilan unas 120 fotografías monocromáticas que llevan el inconfundible estilo que luego harían célebre al autor en el color. 


New YOrk 1958 © Ernst Haas


Nevada 1960 © Ernst Haas

Vale la pena hojear este gran libro que es un excelente manual de composición en la fotografía
Hasta el viernes!


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