Miradas Cómplices constituye una bitácora de notas, relatos de viaje, reflexiones y fotografías que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 26 de enero de 2015

La otra cara de Cuba. Un viaje fotográfico

Cuba está viviendo un momento histórico este año: el progresivo deshielo de las relaciones bilaterales con Estados Unidos. Este hito traerá aparejado grandes cambios que se verán reflejado, en la brevedad,  en un nuevo turismo más universal que incluirá, entre otros,  a cubanos disidentes y  norteamericanos.

Por ese motivo,  el viaje fotográfico a Cuba que está organizando la Asociación para la Economía Social (AES) en conjunto con la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana (EFCH), no es un viaje turístico cualquiera;  es una travesía organizada para que los alumnos observen esta nueva atmósfera que se está generando en la isla y puedan tener contacto de primera mano con los tejidos cooperativistas del mundo rural, verdadero bastión poblacional y económico en paralelo a las ciudades. Para realizar ello, los alumnos tendrán un visado especial emitido por el Ministerio de Agricultura de Cuba.


La otra cara de Cuba es un viaje fotográfico que se hará durante la próxima Semana Santa (entre el 31 de marzo al 10 de abril) y estará monitoreado por quien les escribe y un fotógrafo de EFCH.
Desde mi punto de vista, creo que es una oportunidad única, en un momento histórico único para poder observar, con cámara en mano, toda esta nueva atmósfera que se está generando gracias a los progresivos acercamientos de las relaciones entre EEUU y Cuba.
Les dejo un enlace para que los interesados puedan recabar más información e inscripciones sobre este muy interesante y documental viaje fotográfico a la otra Cuba.

Hasta pronto!



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viernes, 23 de enero de 2015

Negativos pequeños, imágenes grandes

“Negative kleine, große Bilder” (Negativos pequeños, imágenes grandes” 

Según registros del taller donde trabajaba en 1914,  Oskar Barnack,  ingeniero estrella de la empresa de ópticas de precisión alemana Leitz,  le dio los toques finales a un modelo experimental de cámara de pequeño formato sin saber que,  en esos momentos, cambiaría el mundo de la fotografía.  

Leica 0. Modelo experimental de la que sólo se fabricaron una 20 – 25 cámaras que Barnack repartió entre fotógrafos y técnicos para que experimentaran su comportamiento antes de la salida al mercado en 1925

Primero se lo hizo conocer a sus amigos fotógrafos para que practicaran y evaluaran todos los resultados.  Sin embargo, ante la inminente Primera guerra mundial, las guardó en un lugar seguro y esperó hasta 1925 para que saliera finalmente a la venta. De entrada, la primer Leica fue todo un éxito y se convirtió en la primera cámara compacta de película de 35 mm de la historia.

Para conmemorar esos 100 años de existencia, se celebró, desde octubre del 2014 hasta enero de este año,  en el House of Photography de Hamburgo una gran exposición titulada: Augen Auf! 100 Jahre Leica Fotografie (Ojos bien abiertos! 100 años de Leica Fotografía).




Comisariada por Michael Koetzle, la muestra seguirá durante 2015 por otras ciudades de Alemania como en Franckfurt : Fotografie Forum y Leica Galerie ( marzo a junio);  en Berlín: C/O Berlin (agosto a noviembre) y en Munich: Versicherungskammer (marzo a junio 2016). Y también estará en Austria: en Viena, en la galería Westlicht / Ostlicht (diciembre 2015 a febrero 2016).
La expo está dividida en 14 secciones que muestran la evolución  técnica de la cámara  junto con producciones en revistas, periódicos, libros, publicidades, folletos y todo ello,  complementado  con unas 500 fotografías de 140 fotógrafos. Entre ellos, de Alexander Rodchenko, Henri Cartier Bresson, Robert Capa, Robert Frank, Bruce Davidson, William Klein, William Eggleston, René Burri, Thomas Hoepker y Bruce Gilden.
También se publicó un catálogo: Eyes Open! 100 Years ofLeica,  editado por Kehrer Verlag en diciembre del año pasado.


Buen fin de semana!


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miércoles, 21 de enero de 2015

5 AÑOS. Miradas Cómplices regala un libro





Miradas Cómplices está de festejo!!! 
Este mes cumple 5 años de vida y para homenajear este lustro de vida, regala un libro emblemático de la fotografía de calle actual. 
Me refiero a SideWalk de Jeff Mermelstein, un libro que marcó un antes y un después en la fotografía urbana contemporánea de Nueva York y que ganó el premio European Publishers Award for Photography 1999.






IMPORTANTE:

Para entrar en el sorteo hay que suscribirse a partir de hoy en el BOLETIN CALLEJERO DE UN FOTÓGRAFO. 
Finalización: viernes 30 de enero. * Ese día sortearé al ganador entre todos los suscriptos. (Haré un video del sorteo para que todo sea bien transparente)
* Sólo podrán participar residentes en España.
* El envío del libro será gratis.

Entonces, amigos cómplices, a participar!!

lunes, 19 de enero de 2015

Los colores de la guerra

En nuestro imaginario colectivo, las dos guerras mundiales fueron construidas en blanco y negro como si el color hubiese sido borrado por el efecto de las poderosas bombas y el exterminio de personas.
Quizás la primer guerra (1914 – 1918) fuera más monocromática debido a su antigüedad y a las limitadas capacidades del material fotográfico utilizado en ese entonces. Sin embargo, el historiador Peter Walther y la editorial Taschen, se encargaron de demostrar en casi 400 páginas y más de 300 fotos , que el color también fue parte de esa guerra.


Se trata de The First World in Colour que fue publicado en septiembre del año pasado.  Y en este voluminoso libro están documentados parte de esas históricas fotografías a color, de unos pocos miles que sobreviven en archivos de todo el mundo.




El procedimiento utilizado en esos momentos,  fue el autocromo (en francés Autochrome) en el que se empleaba una placa de vidrio con uno de sus lados recubierto de minúsculos granos de almidón que actuaban como filtros de los colores primarios.




© Jules Gervais-Courtellemont

De esa manera, los autocromos semejaban las posteriores diapositivas  pero en tamaños mayores (el color slide en películas de 24 x 35 mm, apareció en la década del ’30 del siglo pasado con la irrupción del Kodachrome, Agfa y otros).


© Léon Gimpel


© Hans Hildenbrand






Además los granos de almidón proporcionaron a estas fotografías un atractivo estético especial, con una apariencia comparable a la de la pintura puntillista.


Varios de los pioneros del uso del autocromo como por ejemplo:  Sergei Prokudin Gorskii, Paul Castelnau, Fernand Cuville, Jules Gervais-Courtellemont, Léon Gimpel, Hans Hildenbrand o Charles Zoller, entre otros, participaron en la primera guerra mundial y el libro recoge varios de sus trabajos.
Hasta el miércoles!



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viernes, 16 de enero de 2015

Sales de plata para Berengo Gardin

1960 © Gianni Berengo Gardin

Admirado por Henri Cartier Bresson o por Cecil Beaton, el fotógrafo italiano Gianni Berengo Gardin es un perfecto desconocido para las nuevas generaciones de fotógrafos. Quizás, como señala el fotógrafo Rafa Badia, en sus "99 Fotos que me conmovieron" que realiza diariamente a través de su Facebook: “estoy convencido que si Berengo Gardin fuera francés o americano, su trabajo sería mucho más conocido y valorado fuera de su país de origen, Italia” .


1960 © Gianni Berengo Gardin

Lo cierto que Gardin en su larga carrera, ha publicado más de 200 libros y es muy recomendable la gran antología editada por Contrasto en el 2005.




Doscientas cincuenta imágenes que recorren unos 50 años de trabajo fotográfico en donde se puede apreciar su mirada curiosa y atenta y su fina composición.


 © Gianni Berengo Gardin

 © Gianni Berengo Gardin

Últimamente, le rinden homenajes en Italia como la gran exposición realizada el año pasado en el Palacio Ducal de Génova, Historia de un fotógrafo,  con más de 200 fotos que cubren el período de 1969 al 2002.
Ahora mismo,  se está desarrollando en el Auditorium Parco della Musica de Roma, una expo de su trabajo junto con el de Elliot Erwitt titulado: Una amistad con sales de plata. Fotografías 1950 – 2014.



Hasta el 1 de febrero de este año, estarán expuestas unas 120 imágenes de estos dos grandes fotógrafos y amigos.
Un abrazo y buen fin de semana!



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miércoles, 14 de enero de 2015

Norman Mailer y los grafitis



Uno de los más grandes escritores contemporáneos, NormanMailer siempre estuvo atento a  los movimientos culturales que afloraban en el siglo XX en Nueva York, su ciudad adoptiva.
Todo ello, ejercía una poderosa influencia en su literatura y tampoco fue ajeno a la irrupción, a principios de los ’70 del siglo pasado,  de la primera generación de grafiteros neoyorkinos.
Resulta que Mailer le habló sobre todo ello al fotógrafo Jon Naar quien hizo unas 3.000 fotografías entre diciembre de 1972 y enero de 1973 y una selección de esas fotografías fueron publicadas con textos del escritor ese año: La fe del grafiti.



Muchos años después, en el 2010, 451 Editores publicó este magnífico y pionero libro en español y quiero compartir con ustedes, algunos párrafos de los escritos de Mailer que tienen vigencia en el discurso del grafiti contemporáneo.

© Jon Naar

“En un acto criminal siempre hay arte, pero los grafiteros están en el extremo opuesto de los criminales porque viven todas las fases del crimen para cometer un acto artístico”.
“Los grafitis son la expresión de un gueto que es como una plaga, ya que ahora la civilización es hostil al gueto. Los obstáculos para cualquier desarrollo natural del hombre civilizado son demasiado grandes”.

© Jon Naar

“ En el gueto es casi imposible encontrar un lugar tranquilo para desarrollar tu identidad. No, en el entorno de la barriada, el valor de exhibirte tú mismo es tu único activo, y el crimen es el proceso productivo que convierte tal activo en los poderes contemporáneos del mundo: el ego y el dinero. Pero con una diferencia. Los chicos trabajan juntos. Ahora la pintura rupestre e colectiva.”

© Jon Naar


”Los grafitis perduran en las puertas del metro como recuerdo de lo que podrían haber sido, nuestro primer arte kármico, como si, efectivamente, todas las vidas siempre vividas sonaran ahora como los clarines de los ejércitos que se reúnen allá, tras las montañas, donde no alcanza la vista” señala a lo último de su valioso texto, el escritor Norman Mailer.

Hasta el vienes!


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lunes, 12 de enero de 2015

Ausencia o presencias abstractas

1946 © Richard Pousette-Dart

No es la primera vez que la obra pictórica eclipsa el trabajo fotográfico de un artista. Y si ese trabajo pertenece a Richard Pousette-Dart se entiende perfectamente ya que sus pinturas influyeron enormemente en el expresionismo abstracto tan en boga en Nueva York a principios de los ’50 como a fotógrafos como Saúl Leiter.


© Saúl Leiter

Las pinturas de Poussette-Dart destacan por el minimalismo que tiende a recrear evocaciones visuales. 

1940 © Richard Pousette-Dart

Y esa forma de buscar estímulos a través de simbolismos cromáticos fue muy apreciado por fotógrafos coloristas como el mencionado Leiter,  Ernst Haas, Harry Callahan o en Ray Metzker en el blanco y negro que con sus cámaras realizaban instantáneas en los espacios públicos de Nueva York o Chicago, grandes urbes llenas de vitalidad, cosmopolitas y para nada grises en la posguerra americana.


© Harry Callahan
© Ernst Haas
© Ray Metzker

A fines del año pasado, en consonancia con una exposición de sus fotografías que organiza el Museo de Arte Munson-Williams-Proctor en Utica (Estado de Nueva York;  salió publicado el catálogo titulado: Absence /Presence del gran pintor abstracto fallecido en 1992.





Poussette Dart trabajaba con exposiciones múltiples, superposición en donde las perspectivas y anulación o confirmación de objetos dentro de la composición fueron un continuo de su obra.

© Richard Pousette-Dart
© Richard Pousette-Dart

Hasta el miércoles!!


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