Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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viernes, 29 de noviembre de 2013

Minigira de Martin Parr por Madrid

El fotógrafo de Magnum, Martin Parr estará el 2 de diciembre en varios espacios culturales de Madrid.



A las 17 horas, en Ivorypress Bookshop (c/ Comandante Zorita 48, Madrid) hablará sobre la creación de un fotolibro y los distintos procesos de descarte para llegar a la edición final.


 Organizado por IEDMadrid, Ivorypress y el Photo Book Club Madrid, el encuentro promete. Aunque la inscripción para presentar proyectos ya está cerrado; los interesados en asistir como público pueden inscribirse hasta el 1 de diciembre a: info@photobookclubmadrid.com


Luego a las 20 horas, dentro de las actividades del Club Havanna 7 Cultura Aiberta, Martin Parr estará en La Fábrica (Alameda 9, Madrid) donde presentará su nuevo libro Los Inconformistas que recoge más de 100 fotografías en blanco y negro realizada en la década del ’70 del siglo pasado en algunos pueblos del condado inglés de Yorkshire y su gente, una cultura a punto de desaparecer.








Por último, los dejo con un pequeño video de una masterclass que impartió en Madrid, en noviembre del 2011, durante el Curso de Especialización de Photobook International (IED Madrid) del cual, Parr es docente.  Buen fin de semana a todo Parr!!

miércoles, 27 de noviembre de 2013

La primera exposición de Magnum en Madrid

Viena, Austria, 1955. 
8 jóvenes fotógrafos de la agencia Magnum reunidos en una galería de la capital austríaca estaban muy ansiosos y felices. Faltaban unos pocos minutos y sus fotografías más importantes  hasta ese momento iban a ser vistas por primera vez en una exposición colectiva de la agencia.

Gentileza Fundación Canal

Luego de esa mítica expo, las 83 fotografías de Robert Capa, Henri Cartier Bresson, Werner Bischof, Ernst Haas, Erich Lessin, Jean Marquis, Inge Morath  Marc Riboud fueron guardadas en un sótano del Instituto Cultural Francés de la ciudad. Y allí permanecieron "olvidadas" hasta el 2006.




Este año, la Fundación Canal trajo esta primera exposición de Magnum a Madrid y desde el 23 de octubre hasta el 19 de enero del 2014 podrán disfrutarla.
Y para los que no puedan ir, les dejo un video que a modo de paseo virtual y buena música,  realizó la gente de hoyesarte.com. Hasta el viernes!!


lunes, 25 de noviembre de 2013

Un fotógrafo en acción con sus fotografías y sus palabras

A mi siempre me ha gustado escuchar a ciertos fotógrafos cuando hablan de la fotografía de calle.
 Y eso es algo muy especial porque aparte de disfrutar de sus palabras, acabo entendiendo el alma de sus fotografías. Y eso es muy auténtico. Y también,  ayuda a retroalimentar al espíritu de buena energía; algo muy necesario para los que nos gusta realizar a diario,  esta práctica fotográfica documental. 
Una de esos fotógrafos aludidos  es mi buen amigo Rafa Badia que también es  uno de los miembros fundadores de nuestro querido Calle 35.
En el siguiente video  que realizaron Marta Vidal y Patri Rodriguez   (TerradeNingú.com) podrán observar todo lo que les acabo de comentar recién.  Disfrute y aprendizaje garantizado en unos 7 minutos. Espero que les guste tanto como a mi. Hasta el miércoles!



viernes, 22 de noviembre de 2013

Un lente y una cámara, eso es todo

Grecia, 1991 © Nikos Economopoulos
Siempre me ha gustado la mirada del fotógrafo griego de Magnum,  Nikos Economopoulos. Sus perspectivas siempre me han parecido diferentes; su sentido visual, maravilloso y lo más importante, me emocionan sus imágenes porque humaniza a los retratados, no los degrada en lugares de tensión donde donde ha trabajado durante mucho tiempo como en la región de los Balcanes.


Albania, 1990  © Nikos Economopoulos

Decidió centrar su trabajo en esa zona por dos razones: “era barato para ir y estaba cerca – señala Economopoulos en una entrevista con Tom Maguire de Ideas Tap – En ese momento de mi vida, yo no tenía dinero para hacer viajes globales. De hecho, es sólo recientemente que he empezado a fotografiar fuera de Europa”.


 Albania, 1999 © Nikos Economopoulos

Esta entrevista deja muchos consejos de los cuales vale reflexionar un poco. “Durante los últimos 20 años he utilizado el mismo objetivo de 35 mm. con el mismo cuerpo. Con el tiempo el objetivo de 35 mm se ha calibrado a mi ojo. Como resultado de ello, soy capaz de sentir el momento en que estoy fotografiando, en lugar de pensar en ello”.


 © Nikos Economopoulos

“Yo siempre digo a mis estudiantes: una lente, una cámara, eso es todo”.


 © Nikos Economopoulos

“En mi opinión, es imposible ir más profundo en términos visuales que utilizan múltiples formatos y lentes. Lo mejor es atenerse a una”.

 Grecia, 1988 © Nikos Economopoulos


Para los fotógrafos que recién empiezan, Economopoulos dice: “ sea honesto con usted mismo y sea original. No trate de convencer a otros que usted es algo que no es.  Vaya en la dirección que se sienta mejor, no donde el mercado le dice que vaya. Si usted sigue este consejo y tienen un ojo natural para la buena composición, tendrá una oportunidad de hacerlo como fotógrafo.”

 © Nikos Economopoulos
Buen fin de semana!

miércoles, 20 de noviembre de 2013

A Robert Capa también le gustaba el color

Suena insólito. O quizás sorprendente. Me imagino que para los puristas del blanco y negro será todo un sacrilegio. Pero fue así: a Robert Capa, el gran icono del fotoreporterismo del siglo xx, también le gustaba realizar fotografías a color. 

Moscú, 1947 © Robert Capa

Capa utilizó las primeras diapositivas operativas que había en el mercado americano, la Kodachrome (que ya las estaban empleando con éxito algunos fotógrafos  de la F.S.A. (Farm Security Administration para documentar la depresión económica en USA).


Indochina 1954 © Robert Capa

Robert Capa comenzó a experimentar con la mítica diapo a partir de 1941 y las utilizó hasta su repentina muerte, en 1954.

En un barco desde Africa del Norte rumbo a Inglaterra. Junio 1943 © Robert Capa

En el 2005, Magnum realizó una exposición con sus fotos a color en Tokyo y confeccionó un catálogo: Capa in Color que hasta hace poco estaba en venta en la web de la mítica agencia de la cual Capa fue uno de sus fundadores.





Han pasado unos pocos años de esa expo en Tokyo, y en conmemoración del siglo de su nacimiento, el International Center of Photography ha diseñado una exposición itinerante (pronto tendremos fechas de exposición) que mostrará lo mejor de las fotografías a color de Capa, más de 100 fotografías. 

Inglaterra 1942 © Robert Capa


Y posiblemente tendremos un nuevo catálogo para apreciar este trabajo que a pesar de ser antiguo, será nuevo para muchos de los admiradores de su obra clásica.

Suiza, 1950 © Robert Capa
Hasta el viernes!

lunes, 18 de noviembre de 2013

Hubo un tiempo que Nueva York era distinta y sin móviles

1983 Nueva York
Las ciudades cambian a ritmos vertiginosos en pocas décadas. Un ejemplo de ello puede ser Nueva York que,  desde los ’80 del siglo pasado a hoy en día, nos ofrece un abismo de diferencias urbanas, de modas, de gustos, de publicidades, de nuevos edificios y autos.

1982 Nueva York

1982 Nueva York


En ese contexto, un fotógrafo preocupado por atestiguar su tiempo,  a través de sus fotografías de calle,  como lo es Richard Sandler nos muestra un documento incunable de una ciudad que ya fue o que está a punto serlo.


1985 Nueva York

1985 Nueva York


“Estás registrando tu tiempo – señala Richard Sandler a Mail Online -  si usted está en la calle, lo ve. Puedes ver todo en la calle”.


1984 Nuevba York

1984

Las fotografías de calle de Sandler fueron registradas durante los años '80 y  muestran una NY un poco más sucia que ahora, (dicen los conocedores de la gran manzana ) y donde aún no se nota aún la presencia de móviles.

1990 Nueva York

década del '80 Nueva York

“No hay nada más aburrido, nada más anodino que una persona con un teléfono celular caminando por la calle – señala el fotógrafo – Ellos parecen estar fuera de juego, caminando en burbujas”.

1978 Nueva York

Sandler, además, es un prestigioso cineasta y entre sus galardones, logró una beca de la Fundación Guggenheim en el 2006 y dos becas de la Fundación Nueva York entre 1992 y 1998. Fruto de todo ello, en el 2007 estrenó un documental sobre los fanáticos religiosos que pululaban por el centro de la ciudad entre 1992 y 1998: The Gods of Times Square




 Hasta el miércoles!!

viernes, 15 de noviembre de 2013

El rectángulo en la mano, una rareza mágica

Posiblemente sea uno de esos libros que nunca podré tener en mi biblioteca personal.
Sumado a esa imposibilidad, El Rectángulo en la mano me parece tan mágico y misterioso que suma otro capítulo notable, muy acorde con la vida y la obra de Sergio Larrain.
Comprarlo es una quimera (lo venden a 18.000 euros en una web) y a eso hay que agregarle que sólo se publicó una sola edición y de pocos ejemplares.




 El Rectángulo en la Mano (Cadernos Brasileiros /Editorial Universitaria)  fue publicado por Sergio Larraín debido a una exposición que hizo en Santiago de Chile en 1963.



Según el prestigioso blog inglés 5B4: “ se trata de un folleto encuadernado grapado de 12 folios (con 17 imágenes) de una serie que (Larraín) capturó de niños vagabundos en Chile”. Y parece, según el blog, que estos ejemplares los hizo a mano el propio fotógrafo.




Y el misterio sigue…..Más adelante comentan que si alguno lo quiere hojear pueden encontrar una copia en la biblioteca Martínez Romeo de laMaison Européenne de la Photographie o en el MOMA de Nueva York.


Lo único que sé es que el nuevo libro retrospectivo del fotógrafo chileno nos va a permitir volver a mirar esas fotografías de El Rectángulo en la mano pero como objetos y no como simples imágenes virtuales. Y podremos observar , a través de esas fotografías, el auténtico alma de Larraín que él, en vida, salvo raras excepciones, nunca quiso mostrarlas.
Por último, me encantaría que le den un vistazo a un artículo que realizó el escritor argentino Juan Forn en homenaje a Sergio Larrain.




Buen fin de semana!



miércoles, 13 de noviembre de 2013

El romanticismo en las polaroids de Tarkovski

Como también lo hicieron André Kertêsz o Walker Evans, el gran director ruso Andréi Tarkovski también abrazó el uso de la Polaroid como un medio para realizar una fotografía más personal, poética, surrealista.

© Andrei Tarkovski

En 1977, su amigo y también director Michelangelo Antonioni le había regalado una polaroid que el ruso inmediatamente se puso a utilizar. Así realizó centenares de fotografías entre esa fecha y hasta muy cerca de su fallecimiento en París en 1986.

© Andrei Tarkovski


60 fotografías cuidadosamente editadas y seleccionadas a partir del archivo del Instituto Internacional Andrei Tarkovski en Florencia, fueron publicadas en formato libro en su versión inglesa por Thames and Hudson en el 2006 bajo el título Instant Light. Tarkovsky Polaroids.




Al igual que Kertész, el ruso experimentó con su propia vida y la de su entorno más personal, durante su estancia en Rusia. Tarkovski reveló en su momento que esos paisajes de niebla estaban inspirados en paisajistas románticos alemanes como Caspar David Friedrich.

© Andrei Tarkovski

También en el libro aparecen fotografías tomadas en Italia, durante los momentos libres que le dejaba la preparación de su film Nostalgia (1983)


© Andrei Tarkovski



De esa manera, estas instantáneas revelan su gran sensibilidad estética (que tanto gustaba a Gueorgui Pinkhassov, su discípulo favorito) característico de todos sus films. 
Los dejo con un video que muestra parte de este trabajo con una excelente música clásica muy a tono con la melancolía que transmiten sus fotografías.



lunes, 11 de noviembre de 2013

¿La nueva Blow Up es sólo una cuestión fotográfica?

El sábado pasado me encontré en la videoteca del barrio con un reciente film de Wim Wenders que me cautivó de entrada porque observé en la sinopsis explicativa una clara analogía con Blow Up: un thriller dinámico,  psicológico, el personaje era un consagrado fotógrafo de modas, buena música. Y si a eso le sumamos Lou Reed, Dennis Hooper y Patti Smith, el cóctel sonaba explosivo.

También recordé que cuando se estrenó este film de Wenders en el 2008, pasó bastante desapercibida entre el gran público y fue maltratada por la crítica especializada que la consideró “muy pretenciosa” o “aburrida”.
Me refiero a Palermo Shootting que en su momento se presentó como el film más personal del gran cineasta alemán. Un thriller que habla sobre la vida y principalmente es una reflexión sobre la muerte. Desde mi humilde punto de vista: la Blow up actual. 
De hecho,( oh casualidad!!),  Wenders dedica el film al gran director italiano. 




Luego de verla, debo confesar que el film no me drefaudó, a pesar de algunos momentos muy excéntricos de narración visual. Me pareció tan onírico y existencial como la obra de Antonioni. 






Quizás, Wenders lo realizó de una manera más poética, metafísica.  Además, su reflexión sobre la muerte no estaba centrada en un asesinato (Antonioni) pero si en un camino ineludible, único al que vamos todos pero  que puede ser más soportable, si cabe esta palabra,  si se lo acompaña con amor. 
Ese es el mensaje vital del film y todo ocurre a través de la fotografía como un nexo neurálgico.







En ese sentido, me parece una peli genial desde mi punto de vista: bien montada desde un primer momento con unos impactantes juegos de fotogramas  y al final del largometraje, se muestran los mismos fotogramas pero con las fotografías que el personaje principal fue capturando a lo largo del film.




Además de descubrir una gran cantidad de buenos temas musicales de bandas como Velvet Underground, Portishead, etc,  que iba escuchando el fotógrafo a través de sus auriculares en sus vagabundeos fotográficos por Palermo (Sicilia); descubrí la pragmática cámara que usaba en la calle: la mítica Plaubel Makina 67 de medio formato. Observen la cámara en algunas escenas del film en el siguiente video.




“La película no es sobre el sentido de la vida, sino sobre la importancia de no perder la oportunidad de vivirla” señaló Wenders en un reportaje realizado por Neva Micheva. “Además es mi primer obra interactiva porque ésta existe en el ojo de quien la está viendo y le permite penetrar muy adentro de sí mismo. Si no, queda fría, misteriosa, un sistema cerrado”

Y la fotografía hace el resto, a través de una cámara, de un ojo, de un pensamiento. 

viernes, 8 de noviembre de 2013

Visiones de la realidad de Hopper

Durante el atractivo programa fílmico que presenta  desde hoy la X edicion del Festival de Cine Europeo de Sevilla, hay un largometraje que me interesa resaltar ya que está inspirado en uno de mis pintores favoritos: Edward Hopper.




El film en cuestión es: Shirley – Visions of Reality del director austríaco Gustav Deutsch.





Gustav Deutsch, figura imprescindible de la vanguardia fílmica europea, introduce al gran pintor realista, famoso por capturar la esencia de la vida americana durante el siglo pasado, a través de 13 de sus más emblemáticos cuadros transformados en episodios durante el film.  


Escena del film

El director austríaco encuentra esa receta única de episodios / cuadros y los recrea a través del complejo retrato de la protagonista: la actriz Shirley.


Escena del film

La obra pone en evidencia una fuerte tensión interior y el misterio (cualidades características de la obra de Hopper) y un estado suspendido de introspección. El papel de Shirley muestra a una mujer en los años ’30, ’40, ’50 que no acepta su propia realidad y cuestiona los años de la Depresión americana, la Segunda Guerra Mundial o la era de MacCarthy y su peculiar “caza de brujas” comunistas.




La dirección de fotografía está a cargo de Jersy Palacz y a continuación veremos el trailer oficial de esta prometedora película que se presentará en diferentes salas de cine sevillanas durante todo este fin de semana.  Espero que la pasen bien y los que la puedan ver, me cuenten sus primeras impresiones de este film. 



miércoles, 6 de noviembre de 2013

Fascinación por el color de Marruecos

"Un accord splendide entre les formes, les couleurs, les gestes au quotidien, la nature" Harry Gruyaert


El 30 de octubre pasado en las cómodas instalaciones del espacio cultural de Le Bal en París, Harry Gruyaert presentó su nuevo libro Maroc.





Publicado por Textuel Ediciones, el nuevo libro presenta 80 fotografías que resumen la íntima e intensa relación del fotógrafo de Magnum con Marruecos.


1988 © Harry Gruyaert
1988 © Harry Gruyaert


Las fotografías de este libro abarcan 40 años de idas y venidas de Gruyaert por este país lleno de luz y color que de la mano del fotógrafo belga se acentúa mucho más toda esta cosmovisión estética.


Alto Atlas 1986 © Harry Gruyaert


“La luz y la sombra, las paredes, los tejidos, los elementos visuales encarnan la esencia del mundo marroquí que está cambiando muy rápidamente” señala Gruyaert.

Marrakesh 2003 © Harry Gruyaert

Marrakesh 2003 © Harry Gruyaert

El prólogo del libro fue escrito por Brice Matthieussent, prestigioso profesor de estética de la Ecole des Beaux – Arts de Marsella. 


1988 © Harry Gruyaert
Hasta el viernes!