Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

Translate

miércoles, 26 de abril de 2017

Algunas opiniones (en voz baja) del color. Parte 3



El color de por sí, siempre reivindica una atención visual especial. Y la acertada combinación de colores,  ofrece una variante inagotable de recursos visuales a la composición.


@Georgui Pinkhassov. Casablanca

En ese contexto, saber incluir (o encontrar en los espacios públicos) combinaciones desacostumbradas de dos colores, producen fragmentaciones visuales punzantes entre el fondo y las figuras.


@Harry Gruyaert. Egipto

Sería algo así como deconstruir, a través de una imagen, “un reclamo al ojo” y en ese sentido, esa unión desacostumbrada, produce una música especial para “el oído” de la imagen.


@Carlos Prieto. Girona 2014

Un muro musical de colores expansivos que se friccionan entre sí y transmiten dinamismo y desasosiego y el resto fluye de manera natural.

Sin título
@ Marcelo Caballero. Marrakech 2016


Josef Albers hablaba de “límites vibrantes” (Interacción del Color, Ed Alianza),  cuando se disponen de 2 colores contrastantes para producir un cierto efecto visual de vibraciones cromáticas.


@Franco Fontana
Hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 24 de abril de 2017

Exploración fotográfica

Desde hace unos pocos años, se ha intentado desvincular la fotografía de calle (o street photography) con la fotografía en general como si fuera un subgénero documental de poca monta, de poca incidencia en el mundo documental. Nada más erróneo que admitir eso.
También es cierto que en este tsunami de imágenes que vivimos actualmente, hay mucha fotografía mala que, de alguna manera, desprestigia la verdadera esencia de la fotografía de calle: la exploración fotográfica entendida ni más ni menos como FOTOGRAFIA en mayúsculas y sin dogmatismo.
De alguna manera,  Alex Webb, en la fotografía documental contemporánea, nos abrió el camino al intentar realizar un trabajo fotográfico de calle en zona conflictiva como el que hizo en Haití.

@Alex Webb. De su proyecto Under a Grudging Sun, 1989.

Demostró así a los puristas del fotoperiodismo que se podía realizar un trabajo profundo con la fotografía de calle.  Solo deambulé e hice instantáneas sin un tema preestablecido y luego, en la edición, salió todo el discurso de ese lugar” explica Webb  revolucionando el ecosistema del fotoperiodismo que siempre se pregunta por las 5W


@Alex Webb. De su proyecto Under a Grudging Sun, 1989.

En cambio, el fotógrafo californiano apostó por el “como” (How) dándole cualidad al proyecto y allí está la clave del desarrollo de este tipo de fotografía con mayúsculas en donde la buena composición y el documento confluyen en la metáfora del lugar.

Otro ejemplo para apoyar esta tesitura que propongo hoy en el blog, es la que realizó Jazon Eskenazi, quien durante años, deambuló por la extinta Unión Soviética. 


@Jaon Ezkenazi

Su único interés fue captar con su cámara,  instantáneas que le transmitieran la vida  de su gente, su atmósfera, su entorno.


@ Jason Eskenazi

Wonderland: A Fairy Tale of the Soviet Monolith,  según Eskenazi, no fue pensado, en un principio como un proyecto documental acotado y organizado por temas. Todo lo contrario. Se dejó llevar por “la exploración fotográfica”, y luego de varios años, el discurso saltó de entre el cuerpo de su trabajo.


@ Jason Eskenazi


Sus fotografías brillan por la buena composición, potencia visual y porque transmiten “ese algo” del cambio que se estaba gestando en la Rusia post soviética. 


WONDERLAND : A Fairy Tale of the Soviet Monolith from kam studio on Vimeo.

Hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

jueves, 20 de abril de 2017

Una coartada a lo vertical


Muchas veces pienso porque nos vamos olvidando de hacer fotografías verticales. Y esto lo digo muy en serio. Cada vez hacemos menos.
 Muchos entusiastas de la fotografía que recién comienzan su aventura visual, hacen muchas imágenes verticales y luego se van olvidando. Quizás las pantallas de los ordenadores los van reeducando como hacen “las escuelas” y perdemos esa frágil sensibilidad por lo vertical…no sé….estoy escribiendo “en voz alta” y posiblemente todo lo que diga sea pensado con el corazón.

@Sergio Larrain. Valparaiso 1963

Así y todo, cada vez que veo fotografías en vertical como las que hizo, por ejemplo, Sergio Larrain, me dan genuinas ganas de salir a la calle y dejarme llevar por ese “recorte de la vida” tan ínfimo de ancho y tan diáfano en su altura como si miráramos por la rendija de una ventana. Eso es lo que me provoca una imagen vertical en su concepción y en su sensación. Y en especial,  la forma que trabajaba este gran maestro chileno.


@ Sergio Larrain. Valparaiso 1963

Siempre me gusta poner de ejemplo su Valparaiso porque es una ciudad vivida por Larrain casi siempre en vertical, desde la colina hacia el mar. Y esa verticalidad transmite la atmósfera geográfica del gran puerto chileno.
Y sus líneas y su estética me estremecen porque si estuvieran en horizontal, todo esa sensación de singularidad urbana se perdería, todo sería más visible, menos sugerente, menos singular.


@ Sergio Larrain. Valparaiso 1963


A veces pienso que Larrain quería esconder “algo” con sus verticales de Valparaiso. Y tiene sentido porque no quiere describir la ciudad, tan sólo desea rescatar su extrañeza. Así, sus fotografías tienen un aroma más atemporal que si fueran horizontales. Además cuentan algo interno de la fotografía y eso no se puede escribir con palabras. Pertenecen a su lenguaje más íntimo y eso es una maravilla intacta.



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

viernes, 7 de abril de 2017

Menos informativo, más sugerente, menos prosa, más poesía

Esa frase no es mía. Pero podría serlo porque la siento así, cada vez que salgo a realizar fotos a la calle como un espíritu libre. Y creo que esa actitud me permite disfrutar de la fotografía como un acto en sí mismo,  en una búsqueda constante por transformarlo todo en un punto de vista subjetivo.


(c) Ernst Haas. USA 1968

En realidad, esa frase dicha por Ernst Haas en una entrevista en 1961, encierra un cambio de paradigma que en la fotografía documental hizo escuela hasta nuestros días. Y que, entre otras cosas, puso en veredas enfrentadas a la  fotografía para un trabajo o encargo y a la realizada por el simple hecho de disfrutar de la fotografía. Y yo claramente me quedo con la segunda opción.


(c) Ernst Haas. New York 1963


Haas fue un poeta de la luz. Le encantaba encontrarla en un contraluz, o fuera de foco. En ese sentido, fotógrafos como él fueron faros luminicos para muchos otros consecuentes con ese pensamiento de ser menos informativos y más sugerentes.


(c) Ernst Haas. USA 1967

Siempre creí que la poesía, al crear artificios con las palabras se comporta como subversiva, como más combativa en el mundo del lenguaje escrito. Y la fotografía urbana tiene eso de la poesía. A mi me gusta, como a Haas, alejarme de la realidad obvia, y evocar la fascinación por un color, por unas traviesas líneas que no dicen nada pero me atrapa la forma en cómo se concibió con una cámara.


(c) Ernst Haas. NY 1962


 En cambio, la prosa más ligada a una pluma inquieta, es revolucionaria por su forma de pensar mundos posibles imaginados. Y ello está emparentado con la narración, con el contar una historia. Y ese es otro camino quizás un paso adelante.



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 3 de abril de 2017

Algunas opiniones (en voz baja) sobre el color. Parte 2


Un color recurrente y muy buscado en las composiciones a color es el rojo por varias razones: es mucho más difícil de localizar (en ciudades de clima tropical se encuentra por todos lados) y tiene peso específico por su calidez, que le otorga  a la fotografía mucha potencia visual.

Cuba @ David Alan Harvey

 En síntesis, el rojo mantiene atento, alerta el despliegue escénico de la composición como si se tratara de una señal de humo.


@ Carlos Prieto

Sin embargo, el azul no actúa como un brillante cometa en el  firmamento; todo lo contrario, el azul transmite espacialidad, crea espacios.


Sin título
Barcelona @ Marcelo Caballero


De alguna manera, el azul se traga la imagen, o la atrapa dándole ubicuidad, respiración: plasma el espacio en la fotografía.



@ Pau Buscató

Por eso es tan interesante, recurrir a colores cálidos como el rojo para equilibrar la tensión cromática y, al azul (color frío) para darle espacialidad. Y a su vez, brinda a la composición profundidad de campo sin tener que recurrir al principio renacentista de las diagonales.



(c) Harry Gruyaert

Hasta pronto!


Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 27 de marzo de 2017

Topógrafos de la calle


Deambular por las calles hasta perderse constituye el principal leit motiv de cualquier fotógrafo urbano contemporáneo que se precie como tal. Las ciudades han crecido desmesuradamente y los fotógrafos de calle, más que nunca, se comportan como auténticos flâneurs de la sociedad actual. Y vaya crisol de imágenes que se está trazando hoy en día a través de miles y miles de atentos creadores visuales de todas las latitudes que vamos conociendo principalmente por redes sociales.


(c) Gustave Caillebotte


Hace muchos años, a Walter Benjamín le gustaba definir al flàneur como aquel personaje que convertía el muro de cualquier edificio en su pupitre, el quiosco de periódicos en su biblioteca y el café en su oficina. En ese sentido me gustaría mencionar a dos grandes fotógrafos (bastante desconocidos por las nuevas generaciones) que no hay olvidar de esa época, a la cual pertenecía el gran pensador alemán.

El primero es el fotógrafo argentino Horacio Coppola, conocido como “el ojo de Buenos Aires” de los años ’30 del siglo pasado.


(C) Horacio_Coppola . Buenos Aires 1936 (Suipacha y Diagonal Norte)

En 1935, la municipalidad de Buenos Aires le encargó a Coppola un libro para celebrar el cuarto centenario de la fundación de la ciudad. Debido a la gran influencia de la Bauhaus, sus fotografías tienen mucho dinamismo debido al buen uso de planos inesperados y perspectivas inusuales, tan vitales hoy en día.


(c) Horacio Coppola. Buenos Aires 1936


El otro flàneur,  al que me quiero referir en este post, es Gabriel Cualladó quien formó parte del mítico grupo AFAL. Y a pesar que ayudó a renovar la fotografía en España a mediados del siglo pasado, las nuevas generaciones casi lo han olvidado y vale la pena comentarles que produjo grandes series fotográficas en su deambular por las calles.


(c) Gabriel Cualladó. Paris 1962

En 1962, gracias al encargo del Comisariado del Turismo Francés, tres zonas de París se convirtieron en el tema central de sus instantáneas.


(c) Gabriel Cualladó. Paris 1962

Y en 1980 y 1981, mientras acompañaba a su mujer en búsqueda de telas antiguas, fotografió como un topógrafo urbano, el Rastro de Madrid.


(c) Gabriel Cualladó. El Rastro, Madrid 1980 - 1981

 Y lo hizo de una manera poco convencional en relación a la composición,  alejada del cliché del género.
 Hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 22 de marzo de 2017

Cortar o no cortar, esa es la cuestión


Aunque, hoy en día, es normal diseccionar formas familiares en los bordes de las imágenes, muchos entusiastas de la fotografía urbana  aún se preguntan en mis talleres si está bien o no cortar brazos, cabezas o pies.


(c) David Alan Harvey. La Habana, años '90 del siglo pasado

Y yo les respondo que sí, que experimenten ya que, según como se manejen las formas en los bordes de una imagen,  definen un contenido más sugerente.  Y así se crean fragmentos o formas desconocidas que nos cuesta reconocer al instante.  Y nos detenemos a observar e  imaginar que hay más allá de la propia fotografía.


(c) Harry Callahan Chicago 1950

Cortar formas familiares añade un plus de potencia visual a la escena y de ello sabían fotógrafos de la New Bauhaus como Harry Callahan o Yasuhiro Ishimoto que se atrevían, en los años ’50 del siglo pasado, con ese tipo de composición.


(c) Yasuhiro Ishimoto. Chicago 1959

Robert Frank también intentaba atreverse a buscar cortes,  en sus trabajos previos que fueron preparando su obra más determinante: The Americans.


(c) Robert Frank. Valencia 1952

Otro gran fotógrafo urbano como William Klein también mostró este camino en las calles de Nueva York.


(c) William Klein. Nueva York 1954

 Y Gonzalo Juanes, aquí en España,  hizo eco de esta influencia cuando se atrevió a realizar este tipo de composición en su famosa serie de Serrano en la Madrid de los años ’60.


(c) Gonzalo Juanes. Madrid 1965

Y posteriormente Cristobal Hara exploró este tema aún más, llevando a límites insospechados y surreales a las escenas callejeras.


(c) Cristobal Hara. De su libro Vanitas, 1999


Además, esos cortes anuncian dinamismo, una característica tan propia de las atmósferas de un espacio público. “Cortar” es algo que siempre debemos tener en cuenta como una variante rica y útil a la hora de salir a la calle.  Reflexionar sobre ello,  en la previa, nos dará mucha imaginación.


(c) Marcelo Caballero. La Habana, 2016




Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 13 de marzo de 2017

Fotos que merecen la pena

El otro día, mientras rebuscaba en los estantes de un local de libros usados, me encontré con  viejos manuales de fotografía de la era analógica que titulaban con la tentadora frase de: “Fotografiar es fácil”.




Tan publicitario título, hoy en día, suena a profecía cumplida ya que está más vigente que nunca y parece que aún, en el futuro, será más fácil.  “Ni tendremos que usar las manos para disparar fotos ("shoot easy" en los manuales ingleses)” señalan los gurús de la informática y todo el mundo los aplaude.
Y también es una “crónica de una muerte anunciada” para la forma de entender la fotografía así como la entienden "los grandes maestros" que desfilan por este blog (los invito) como fantasmas reanimados en la vida virtual,  en este desierto que cada vez se hace más grande… (No me presten mucha atención…me estoy poniendo nostálgico….)




Pero si está en todas partes y todo el tiempo, y es tan fácil de hacer, entonces ¿qué valor tiene?, ¿qué fotos merecen la pena?” señala Paul Graham. Y ahí está la clave de esta historia.
En este hoy, tan visual, en donde las palabras se usan cada vez menos, las fotos que merecen la pena pueden llegar a ser un “rara avis”. Una suerte de entelequia postmoderna, de reciclaje de viejos ideales para mantener un lenguaje (el fotográfico) de pie ante esta tan mentada cultura del “fotografiar es fácil”.


gentileza Machbel

Sigamos pensando en la intuición, en el azar y en el valor de lo instantáneo pero no nos olvidemos que también es bueno, educarse con el trabajo de los grandes maestros y reivindicar que la escritura fotográfica aún piensa en la fotografía en sí misma y no, en sólo comunicar sin otra pretensión.

Hasta pronto!


Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 6 de marzo de 2017

Espacios de silencios


 El fin de semana pasado mientras veía Mulholland Drive  (ya voy por la cuarta vez) volví a pensar en esos espacios públicos de las ciudades tan propios de nuestra contemporaneidad en donde no pasa gente.


Written in the west (c) Wim Wenders

 O mejor dicho, sí se intuye que pasan o que pasaron personas pero que no poseen atractivos para quedarse a "conversar" o para hacer alguna actividad humana. Para decirlo de otra manera, son como agujeros urbanos a los que me gusta llamarlos espacios de silencios y en nuestra sociedad cada vez hay más.


(c) Burk Uzzle

Varios cineastas importantes como Lars Von Triers o Wim Wenders muestran en sus films, muchas escenas en donde estos espacios son protagonistas y que difieren de los “No lugares” enunciados por Marc Augé;  ya que estos últimos son como lugares de tránsito (aeropuertos, estaciones de trenes, buses o gasolineras).


Figueres



En cambio, los espacios de silencio están como ocultos, y a simple vista no llaman la atención: Pero al ser tan “silenciosos” los hacen llamativos para algunos fotógrafos como Andreas Levers.


de su proyecto At Night (c) Andrea Levers

de su proyecto At Night (c) Andrea Levers

Hasta pronto!




Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 1 de marzo de 2017

Una cámara en el amor

Siempre que se habla de los grandes clásicos de la fotografía de calle, dirigimos la mirada a los años 50 y 60 del siglo pasado con Estados Unidos  a la cabeza (Frank, Friedlander, Winogrand y compañía) o  a la Francia de posguerra (Cartier Bresson y sus amigos humanistas). Sin embargo en muchos otros lugares se “cocía” de igual manera e intensidad una gran cantidad de buenos fotógrafos urbanos que quedaron eclipsados por poderosas cuestiones de marketing de estos polos.
Pero el tiempo pone cada cosa en su sitio y desde este blog, también reivindico desde sus inicios, hace ya 7 años,  el trabajo de “los desconocidos de siempre” o de aquellos fotógrafos que “no están de moda” o que no pertenecen a la órbita anglosajona. Ellos también tienen su propia voz y, en algunos casos, crearon importantes tendencias.

de su libro Amor en la orilla izquierda. Paris (c) Ed van del Eslken


Hoy quiero mencionar a un fotógrafo que, es especialmente conocido en el mundo de la fotografía, pero que las nuevas generaciones de fotógrafos urbanos no lo conocen o no lo aprecian como se debe. Me refiero a Ed Van der Elsken, el más importante fotógrafo urbano de la escuela holandesa de posguerra.



de su libro Amor en la orilla izquierda. Paris (c) Ed van del Eslken

Lo revolucionario de su trabajo es que empleó, en el buen sentido de la palabra, el estilo documental del cinéma vérité:  una mezcla de realidad y ficción para crear una especie de “novela en imágenes".
En ello se emparenta “con aspectos del romanticismo melancólico de Robert Frank - como bien lo describe la New York Times en un artículo de opinión -  con la fascinación dura de Weegee con la parte inferior de la vida de la ciudad”.


de su libro Amor en la orilla izquierda. Paris (c) Ed van del Eslken

Aunque su nombre no sea muy familiar, prestigiosos fotógrafos como Nan Goldin o Nobuyoshi Araki lo han señalado como una influencia directa en sus trabajos.
Van der Elskenfotografiaba por una necesidad” señala Goldin conocida principalmente por su trabajo “La Balada de la Dependencia Sexual”;  en donde, como lo hacía el fotógrafo holandés, ha creado una especie de documento de su propia vida fotografiando “las personas que, o bien fueron mis amantes o me quieren como amantes” concluye.


(c) Nan Goldin


Ed Van der Elsken también incursionó, con éxito, en el mundo del cine y para ello, deseo compartir con ustedes una recopilación de documentales en blanco y negro realizada en los años 50 y 60, que fueron presentadas en una expo comisariada por Martin Parr en el 2005 en Amsterdam.


Founded Footage

Actualmente, el fotógrafo holandés vuelve a estar en foco. En Amsterdam se está realizando una retrospectiva de su obra: Ed van der Elsken– Cámara in love y en el 2018, estará en Madrid, a través de la Fundación Mapfre.




Hasta pronto


Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 22 de febrero de 2017

Algunas opiniones (en voz baja) sobre el color



Cuando hablo del color en fotografía, siempre me gusta referirme a Harry Gruyaert y Jeff Jacobson.


Los Angeles 1982 . Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

Dos de mis fotógrafos favoritos que me enseñaron a darle ubicuidad y potencia al color en una composición; y que, a pesar de tener lógicas personalidades visuales opuestas a la hora de fotografiar, tienen muchas cosas en común.


de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson


Una de las cosas que más me ha cautivado de estos dos pioneros de la fotografía colorista documental es sobre la importancia de utilizar colores primarios,


New York City 1985 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert


en especial,  del rojo que no sólo transmite potencia visual, sino que connotan innumerables simbolismos.


de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson

Otra característica de importancia es la saludable elección de fondos adecuados que con la utilización de colores puros cobran un protagonismo excluyente.

de su libro Melting Point (c) Jeff Jacobson

Con ellos entendí como jugar con el color a través de la posición del fotógrafo en su entorno y así organizarme en la composición. En Gruyaert en espacios amplios y con Jacobson en los detalles.


Utah 1982 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert




Los dos juegan con “la aparente simplicidad” de la escena pero que esconden, sugieren otras narrativas visuales en donde el color no se organiza como una simple referencia estética.


Washington 1986 Catálogo It´s not about cars (c) Harry Gruyaert

Hasta pronto



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!