Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

Translate

sábado, 5 de agosto de 2017

Marrakech / Essaouira 2017




Recientemente, junto con este gran grupo de participantes, estuvimos dándole vida a un nuevo taller intensivo de fotografía en Marrakech y también en Essaouira. Me gustaría aclarar que es el cuarto taller en los últimos 4 años.


Sin título
Essaouira (c) Marcelo Caballero

Dentro del cronograma de las actividades, se realizó una revisión de portfolios para monitorearlos de forma idónea durante el transcurso del taller; una charla teórica que giró en torno a la composición y narrativa visual;  prácticas intensivas en ambas ciudades; e incluyó un visionado parcial  y el visionado general con los comentarios finales.
El resultado ha sido muy satisfactorio tanto en lo fotográfico como en lo humano. Y podrán ver algo de todo ello, en el siguiente video con una selección final de imágenes de los participantes. Y espero que lo disfruten...

Marrakech Essaouira julio 2017 from Marcelo Caballero on Vimeo.

Hasta pronto!


Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 12 de julio de 2017

Carretera salvaje


Siempre consideré el “viajar por una carretera” como algo vital, iniciático que tiene que ver con la historia de la gente que la recorre no con el trayecto en sí. 


(c) Robert Frank. U.S. Number 61, Texas. 1955

A muchos nos pasa…..En mi caso, me crié con ese gran discurso emanado de las fauces creativas literarias de Jack Kerouac y su “En el camino”. Y de toda esa “big generation” americana que reformuló la metáfora visual del viajar por una carretera.


(c) Garry Winogrand. Utah, 1964

Y como todos sabemos, la fotografía y el cine convirtieron la carretera en un gran fondo visual de historias que se cruzan, se entrelazan,  de mucha vida y también de muerte.
Ayer, volví a ver una película de carretera (road movie) que siempre me fascinó y me parece que no envejeció en su tratamiento de planos, color, luz. Mejor dicho, cuanto más pasa el tiempo, la peli se encuentra mejor, llena de vitalidad. Me refiero a Wilt at Heart (1990) dirigida por David Lynch y que lleva el sello fotográfico de Frederick Elmes.
No deseo adentrarme en la historia, harto conocida por muchos fans de Lynch y en Internet pueden encontrar infinidad de webs con mucha información. Lo que me sigue impactando y mucho, es como trabaja Elmes: una fotografía con mucho juego de planos, en especial picados, contrapicados.

Fotograma del film Wild at Heart

 Una estética y un simbolismo con mucho "color Hopper" en varias escenas.

Fotograma del film Wild at Heart

Y también me agrada como abre plano en muchas escenas y como potencia el rojo en los encuadres carreteros, otorgando a la escena, un plus de potencia visual.

Fotograma del film Wild at Heart

Por último, me gustaría compartir con ustedes, un video que reúne secuencias de los films que participó, este gran fotógrafo cinematográfico como es Elmes.

Frederick Elmes, A.S.C from Todd Sandler on Vimeo.


Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

viernes, 7 de julio de 2017

Taller de fotografía en Cuba

Sin título


El pasado junio estuve impartiendo un nuevo taller de fotografía documental en Cuba y realmente ha sido muy gratificante tanto en lo personal como en el grupal;  me refiero al buen desenvolvimiento del taller.
En esta ocasión me acompañaron dos buenos fotógrafos como son Joan Dalmau y Eugènia Cros. Por ello, me gustaría compartir con vosotros, una selección de fotografías realizadas por estos dos autores más una selección de mis fotos.
Espero que lo disfruten. La música pertenece al gran pianista cubano Roberto Fonseca que con sus fraseos y armonías le han dado una atmósfera adecuada a estas fotografías de Cuba post - Fidel Castro.



Gracias!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 3 de julio de 2017

Campos de color

Considero el arte como una aventura que nos sustrae a un mundo desconocido. Solo aquellos que por libre voluntad hacen frente a esta aventurada empresa pueden explorar dicho mundo”  Rothko.


(c) Mark Rothko

Aún me sigue conmoviendo y sigue siendo una fuente de inspiración el “color field” (campos de color) de las pinturas de Mark Rothko. Esta forma de trabajar del pintor en “campos de color” te lleva a la emoción más que a la acción, a la fluidez más que al inmovilismo, a lo interno más que a lo externo.



(c) Mark Rothko

Y lo más importante, te redirige a la vitalidad. . En mi caso, a la vitalidad emocional de las calles, llevadas por el color. Algo de todo ello, se encuentra en mi proyecto aún en curso de Colores Humanos.


Sin título
del proyecto Colores Humanos (c) Marcelo Caballero


La tensión cromática en esos campos de color, el potencial expresivo del color independiente de las formas o líneas, sigue siendo una inspiración útil y significativa para muchos fotógrafos.


(c) Costa Manos


Y además “ esas superficies intactas de color”  me redirigen, como una variante,  hacia la idea visual de la mínima expresión de color: limpio, intacto, con una profunda simbiosis en lo emocional.


(c) Manuel Ibañez


hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 28 de junio de 2017

Ritmo colorista


(c) María Plotnikova

Una de las situaciones más complejas con las que se puede encontrar un fotógrafo,  al deambular por una ciudad con una cámara, son los ritmos visuales a través del color.
Estos ritmos en el color no son lo más importante de la instantánea, pero subrayan, condicionan, ciertos ritmos visuales con la alternancia de tonos o colores primarios y secundarios.

(c) Costa Manos

Ese “ritmo colorista” nada tiene que ver la búsqueda de líneas y perspectivas. Es otro plano de abstracción al encuentro de una posible fotografía. Ese ritmo crea secuencias alternas de color que dan melodía a esas líneas, y enfatizan aún más las profundidades de campo a esas perspectivas.


(c) Georgui Pinkhassov

A veces ese ritmo puede mimetizarse en los fondos, sin embargo no todo depende de ello. Como en cualquier ritmo, el color actúa como una nota perturbadora y ello condiciona lo que selecciono en el encuadre. El ritmo colorista tiene su propia cadencia y es lo más difícil de entender en la fotografía porque no existe un patrón definido. Cada fotógrafo tiene su propio ritmo interior, y en ese contexto, la ciudad le brinda alternancia de ritmos coloristas como si se tratara de improvisaciones que cambian en cada momento.


Viñales, Cuba (c) Marcelo Caballero


Quizás en esas improvisaciones que semejan a "sin ritmos melodiosos" como todo lo que ocurre en las calles, la luz sobresale como la gran nota, singular de la composición.



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 26 de junio de 2017

Archivos banales

(c) Joel Meyerowitz

En los albores de la década del ’60 del siglo pasado, la fotografía de calle entró en la madurez con autores como Lee Friedlander, Joel Meyerowitz, Garry Winogrand y coincidió con los pensamientos filosóficos de esa revolucionaria década y también con la evolución del arte pop.


(c) Garry Winogrand

En sintonía con la idea de documentar lo que pasaba en las calles de las grandes ciudades (cada vez más superpobladas y cosmopolitas), el filósofo Michel Foucault comenzó a utilizar la palabra “archivo” no como un lugar estático donde guardar objetos o saberes. Todo lo contrario. El “archivo” que proponía el filósofo francés debía ser entendido como el juego dinámico de las reglas de una cultura puesto en marcha para estudiar sistemáticamente sus restos, sus detalles y especificaciones.
Esa idea fue documentada por Ed Ruscha quien analizó el paisaje urbano de Los Angeles y publicó en 1966 Every Building on the Sunset Strip.




Este proyecto muestra la estereotipada y banal arquitectura de la ciudad sin presencia humana. Y la idea no fue describir los edificios, sino organizar su secuencia para conferir la sensación de desplazamiento.



El libro semeja un acordeón y muestra dos series correspondientes a cada lado de la calle y aparecen contrapuestas e invertidas. Para ello, montó una cámara Nikon accionada por motor en la plataforma de una camioneta y condujo lentamente a lo largo de la avenida mientras la cámara se accionaba automáticamente en espacios regulares. De alguna manera, este pionero trabajo se adelantó al Google Maps, la idea actual del “archivo” que proponía Foucault en los sesenta.





Este concepto de “archivo” sirvió y sirve para adentrarse en los espacios más banales y en los aspectos más triviales de nuestras sociedad como lo viene demostrando muchos proyectos fotográficos  realizados a lo largo de los últimos 50 años.  Y sigue siendo una tendencia en la actual revolución digital caracterizada por el protagonismo de Internet, las redes sociales y la telefonía móvil. Joan Fontcuberta nos habla en detalle sobre todo ello en su último libro, La Furia de las imágenes. Notas sobre la postfotografía.

hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

viernes, 23 de junio de 2017

Los fondos de Yulier P


Cuando deambulo por una ciudad cualquiera con una cámara, pienso en el color, en la luz y sobre todo en los fondos. Una parte importante de esos fondos lo constituyen las paredes que hablan (o visualizan) aspectos de su gente, sus gustos, sus tradiciones, sus sueños. Y también sus decadencias, sus temores, sus tragedias. Los fondos representan un grito, un documento urbano que complementa la estética buscada en la composición callejera a color.


Paseo de Martí (Prado), La Habana (c) Marcelo Caballero

Hace poco estuve recorriendo las calles de La Habana, una ciudad que me cautiva por su capacidad de supervivencia arquitectónica (en un sentido nada romántico con perdón de Alejo Carpentier y sus columnas) como si se tratara de una digna anciana que presume de la gran belleza que tuvo en su juventud.


Centro Habana, La Habana (c) Marcelo Caballero

Así,  en la búsqueda de fondos,  donde la mayoría de los carteles y murales están dedicados a eslóganes políticos o figuras de la revolución, me encontré con unos personajes fantasmales, angustiados que firma un artista callejero llamado Yulier P.


Habana Vieja, La Habana (c) Marcelo Caballero

Según lo que me cuentan los vecinos, hace unos tres o cuatro años que aparecieron en las paredes de una ciudad casi sin casi arte callejero independiente. Estos seres fantasmagóricos que se mueven entre la parodia, la burla y la crítica social me parecieron unos fondos idóneos que vaticinan de una manera artística algo de los cambios que se avecinan.


El Malecón, La Habana (c) Marcelo Caballero


En ese contexto,  los fondos de Yulier P., cobran una gran significancia simbólica entre tantos murales políticos de corte revolucionario. Y lo más interesante, parece que a la gente le gusta esa disidencia artística.



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

viernes, 2 de junio de 2017

Recortar o no recortar, esa es la cuestión


Hoy escribí la frase “recortar una imagen” en el buscador de Google y me salieron 1.300.000 páginas que hablan sobre ello. Hasta hay un wikipedia que te explica el proceso para que quede lo mejor posible la fotografía recortada.


(c) Alberto Korda

En la historia de la fotografía, existen innumerables ejemplos de “recortes famosos” como en la icónica fotografía del Che Guevara realizada por Korda.




También sirve de ejemplo, como recortaba Joan Colom, en muchas fotografías de su proyecto sobre el Raval en Barcelona en los años ’50 del siglo pasado.


(c) distintas fotografías del proyecto Raval de Joan Colom

En esa época el barrio era peligroso y el fotógrafo catalán fotografiaba clandestinamente, de una manera intuitiva, sin mirar el visor, con la cámara semioculta y cliqueando a la altura de la cintura. Por eso reencuadraba a posteriori en el laboratorio.
Pude observar de primera mano las fotografías de ese proyecto,  como hacía los recortes,  en la retrospectiva que le dedicó el Museo Nacional de Arte de Catalunya en el 2014. Y me llamó mucho la atención y fueron muy acertados los recortes.

(c) Joan Colom en plena faena


Por todo lo que digo, no quiero ser purista ni nada por el estilo. No soy quien para determinar que es mejor: si recortar o no una imagen. Sin embargo me gustaría argumentar de una manera abreviada y simple, porque yo no recorto una fotografía.

En primer lugar, porque yo siempre miro por el visor y ese gesto me lleva a encuadrar (a priori) la imagen que deseo hacer. Además como siempre llevo un objetivo fijo (35 mm.) resuelvo de una manera natural ese problema visual dando un paso para adelante u otro para atrás, según la conveniencia. Y lo hago para no recortar a posteriori. Y además soy responsable, en la previa, de todo lo concerniente a la creación visual. Disfruto con ello.

Además,  como un gran argumento geométrico, por decirlo de alguna manera,  para no cortar o encuadrar a posteriori, es que pienso a partir de los marcos  de la imagen y de esa manera “lo visual” se dirige hacia adentro. No, desde adentro hacia afuera. “El borde de la fotografía define el contenido” señala John Szarkowski en el Ojo del fotógrafo

En consonancia con Szarkowski, me gusta diseccionar formas, como en las siguientes fotografías realizadas durante el  último taller fotografía de QuitarFotos en Donostia,  el último fin de semana. 


(c) Marcelo Caballero. Donostia, mayo 2017

Y que tiene que ver con todo este proceso de encuadramiento llevado de la mano de estos argumentos tan simples como contundentes para descartar de plano la idea de recortar luego en la post producción.


(c) Marcelo Caballero. Donostia, mayo 2017



Y como un argumento filosófico, yo siempre pensé y pienso que la libertad termina ante la libertad del otro.En ese contexto, dentro del rectángulo de una cámara, soy muy libre y no me pongo ningún límite creativo en ello. Y es también allí donde tengo que pensar donde termina mi libertad. Quizás en la post producción abra las puertas hacia otras libertades; pero ya no es lo que observé en la instantánea. Eso ya es otra cosa.



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 24 de mayo de 2017

El silencio del color

Hace unos años, en su libro The Eloquence of Color, la prestigiosa filósofa  Jacqueline Lichtenstein evocó el silencio que llega a provocar el color y ello es señal de su poder y de su autonomía.
Esa afirmación tan poética y llena de suspicacias de Lichtenstein me hizo recordar que, en las artes,  la discusión entre línea y color es antigua. Desde la época de los griegos, toda la disonancia que había entre ellos comenzó a ser sumamente interesante de desentrañar para pensadores y artistas. Muchos consideraron al color como una forma de corrupción del arte: superficial, no esencial, considerándolo "propiedad de algo". 
La evolución de la fotografía corrobora esta afirmación. La fotografía a color nunca fue tomada en serio por el documentalismo o el fotoperiodismo hasta hace pocas décadas atrás. (On the line: The New Color Photojournalism)


 (c) Cristobal Hara. Cuenca 1989

Hace poco, Ediciones Anómalas en la presentación web de Los Rojos de Cristobal Hara comentó que “la genealogía de este cuaderno está clara. La consideración del color como elemento  pictórico autónomo es una clave del arte moderno….en el programa inicial de la Bauhaus, el color era materia de estudio….” y me acordé nuevamente de Josef Albers y de su Interacción del color y de su relatividad.


(c) Cristobal Hara

Hay que aprender que un mismo color evoca innumerables lecturas” señala Albers. “Y la experiencia enseña que en la percepción visual se da una discrepancia entre el hecho físico y el efecto psíquico y, "el ver" va asociado a la fantasía, a la imaginación”.


(c) David Horton

Si decimos <rojo> (el nombre de un color) y hay 50 personas escuchándonos, cabe esperar que hay 50 rojos en sus mentes. Y podemos estar seguros de que todos esos rojos serán muy diferentes”.


(c) Fred Herzog. Vancouver 1960

Incluso si especificamos un color determinado que todos nuestros oyentes hayan visto innumerables veces, como el rojo de los anuncios de Coca – Cola que es el mismo en todo el país, seguirán pensando en muchos rojos diferentes" .

Gracias a Albers entendí que el color no tiene reglas tan precisas como las líneas. Solo hay que dejarse llevar por su impacto, por su relatividad y, especialmente por su silencio.

 Hasta pronto! 



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 22 de mayo de 2017

Mujeres y espacio público


Desde la época que conformábamos Calle 35, me preguntaba porque había tan pocas fotógrafas urbanas. Sin embargo, con el fulminante auge mundial de la fotografía de calle de los últimos años, todo ha cambiado.  
Prueba de ello, en mis talleres de fotografía participan cada vez más muchas entusiastas y por cierto, muy buenas fotógrafas de calle. Y muchas me han acompañado a espacios públicos difíciles para mujeres como es Marrakech en donde han sufrido amenazas y malos tratos verbales.

Sin título
Marrakech 2014 (c) Marcelo Caballero


Yo siempre asocié la fotografía de calle con el deambular. Y reivindico el caminar (con una cámara) como una acción no sólo estética, también social y política. Y en ese caminar me encuentro con la figura literaria del “flâneur” , término francés  que significa “paseante” o “callejero” y está asociado a un hombre que vaga por las calles sin objetivo,  con la sola idea de observar lo que pasa en la calle. Una flâneur “ callejera” no está asociada comúnmente con esa idea romántica nacida de la pluma de Baudelaire.  Lo mismo ocurre cuando decimos “hombre público” que no es lo mismo que “mujer pública”.



Barcelona (c) Xavier Miserachs

De todo ello y de muchas cosas más trata Rebecca Solnit en su libro Wanderlust. Una historia del caminar. Un libro que reflexiona sobre la presencia femenina en la calle contemporánea.

El caminar femenino, suele ser, por cierto, entendido como una exhibición o un espectáculo más que como un traslado de un lugar a otro, y ello porque se supone que las mujeres caminan no para ver, sino para ser vistas, no para su propia experiencia, sino para un público masculino” señala la escritora americana.



(c) Garry Winogrand

El tiempo libre tiene muchas variables, pero la mayor parte de los lugares públicos no han sido acogedores ni seguros para las mujeres la mayor parte del tiempo. Las medidas legales, los valores tradicionales suscritos tanto por hombres como mujeres y la amenaza implícita del acoso sexual y la violación misma han limitado la posibilidad de las mujeres de caminar por donde y cuando quieranseñala Solnit en el libro.



(c) Txema Salvans

Las ropas y las limitaciones corporales de las mujeres – tacones altos, zapatos apretados o frágiles, corsés y fajas, faldas estrechas, tejidos débiles, velos que oscurecen la visión – son elementos de los valores tradicionales que han perjudicado a las mujeres de manera tan efectiva como las leyes y los miedos”.

Hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 17 de mayo de 2017

Fotos graciosas


Siempre me ha llamado la atención esos fotógrafos que tienen “un sexto sentido” para encontrar escenas divertidas o situaciones ridículas en la calle. De verdad lo digo, no son fáciles de captarlas con la cámara y que además tengan un buen criterio compositivo.
Ojos entrenados como los de Elliot Erwitt y,  especialmente  los de Richard Kalvar han ayudado, en cierta medida, con talento y creatividad,  a desarrollar una escuela de todo ello y crearon una tendencia importante  en la fotografía de calle contemporánea.


(c) Elliot Erwitt


El problema que conlleva este tipo de fotografía (muy practicada en el mundo anglosajón) es que el límite entre la fotografía creativamente divertida y “la fotografía graciosa” es bastante ambiguo y depende del contexto donde se exhiban. En la actualidad, muchas de esas “fotos graciosas" se difunden por las redes sociales, en donde envejecen rápido por saturación y por utilizar los mismo clichés una y otra vez. Eso hace que al principio te haga gracia y luego te olvidas tan rápido como tu sonrisa.

Una foto icónica de este movimiento es la que hizo Kalvar en Nueva York en 1969. Sin embargo la explicación que hace el fotógrafo americano de esta foto es la mejor definición de “las fotos graciosas”.


(c) Richard Kalvar. Nueva York 1969


Si hubiera querido una graciosa fotografía de gente mirando a través de un escaparate, el fotograma 27A hubiera sido el correcto” señala Kalvar en el libro Magnum. Hojas de contactos (Editorial Blume, 2017).


página 196. Magnum. Hojas de contacto.


Pero lo que siempre me ha entusiasmado de la fotografía es que te permite salir de la realidad 'real' y entrar en el mundo de los sueños congelados, más allá de lo vulgar. Lo simplemente divertido es una tentación en la que intento no caer nunca” sentencia Kalvar.





Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

miércoles, 10 de mayo de 2017

La belleza de la banalidad


En el post publicado el pasado lunes , hablaba de la inspiración que grandes fotógrafos coloristas de los años ’50 como Ernst Haas, Saúl Leiter y otros, encontraron en el expresionismo abstracto. Y, de alguna manera, los polisémicos cromatismos de sus imágenes transformaron la cotidianeidad en escenas extraordinarias. Allí gestaron “una pequeña revolución” y crearon una tendencia muy fuerte, hasta el día de hoy, en la fotografía de calle contemporánea.


(c) Saúl Leiter

 De la misma manera, la generación de fotógrafos a color de los años ’’70,  liderados por la American New Color y principalmente por Harry Gruyaert,  sintieron una gran curiosidad por la estética que les brindaba el arte pop. De este modo, reaccionaron contra el lenguaje del expresionismo abstracto. “Otra pequeña revolución” con una fuerte tendencia en la actualidad.


(c) William Eggleston. 1971

“Descubrir el arte pop fue muy importante para mi. Era completamente nuevo, y me hizo mirar a la banalidad de una manera diferente, no diciendo <esto es de mal gusto>; pero, que hacer con ello,  aceptarlo y mirarlo con un sentido del humor” señala Gruyaert  en una nota publicada ayer por The Guardian.


(c) Harry Gruyaert

Hay algunas citas de Gruyaert en esta nota que no tienen desperdicios. En una, Gruyaert  “ataca”, por decirlo de alguna manera, a la larga tradición humanista francesa (Cartier Bresson y compañia) donde la gente es más importante que el entorno (también con una fuerte tendencia en la actualidad) para poder crear otro discurso visual con sus fotografías.


(c) Harry Gruyaert

 “La admiré, pero nunca estuve vinculado a ella”- señala el fotógrafo belga. "Yo estaba mucho más interesado en todos los elementos del entorno: la decoración, la luz, los coches. Los detalles son tan importantes como los seres humanos. Esa es una actitud totalmente diferente”.


(c) Harry Gruyaert


Hasta pronto!



Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!

lunes, 8 de mayo de 2017

Cuando el color anticipa una gran película

La pintura expresionista abstracta estimuló a muchos fotógrafos durante la década del ’50 del siglo pasado a explorar la cotidianeidad urbana y transformarlas, gracias al buen uso del color,   en polisémicas confusiones cromáticas que incentivaba de buen grado, la inmersión del imaginario en la realidad.
Ejemplo de ello, son muchas de las escenas extraordinarias que lograban fotógrafos como Ernst Haas, Saul Leiter, Peter Cornelius o Fred Herzog.

(c) Erwin Fieger. Londres

En este selecto grupo de pioneros de la fotografía a color expresionista debemos incluir por méritos propios a  Erwin Fieger quien estaba explorando las posibilidades de la película diapositiva Agfa y había hecho un gran trabajo en las calles en Londres a principios de la década del ’60.





Ese trabajo fue publicado en London: City of any Dream(1962)


(c) Erwin Fieger. Londres

Tanto la portada como varias imágenes expresionistas de Fieger que aparecen en ese gran libro (actualmente muy difícil de conseguir) resultaron muy cautivadores para el director de cine Michelángelo Antonioni que estaba experimentando con el color en sus nuevas películas.


Fotograma del film Blow Up
Antonioni utilizó la estética y la textura cromática de Fieger para cristalizar ciertas atmósferas de las calles londinenses en Blow Up (1966).
Hasta pronto!




Si este post te ha parecido útil, cómprame un café!